Gold está entre as séries mais premiadas de Sebastião Salgado, fotógrafo brasileiro que registrou a exploração das camadas mais miseráveis.

<p>Em 1986, o fotógrafo brasileiro <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/111236-sebastiao-salgado-e-esposa-restauram-600-hectares-de-mata-atlantica.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Sebastião Salgado</a> fez uma série que se tornaria uma de suas principais produções e uma das obras do fotojornalismo mais premiadas de todos os tempos. <i>Gold - Mina de Ouro Serra Pelada</i> reúne 56 fotografias tiradas pelo mineiro e levou ao mundo o registro de um formigueiro humano que se acumulava na Amazônia brasileira.</p><p>O trabalho se tornou tão célebre que uma das fotos da série foi elencada em <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/5-fotos-iconicas-que-mudaram-o-mundo" rel="noopener noreferrer" target="_blank">uma lista do <i>The New York Times</i></a><i>&nbsp;</i>com as 25 fotografias que tiveram o poder de mudar o curso da história. As imagens em preto e branco carregaram para vários lugares a visão de um lugar em que milhares de homens arriscavam as suas vidas em busca do sonho de se tornarem ricos, caso encontrassem ouro.</p><h2>A história da série da Serra Pelada</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/16/16121613886002.jpeg" alt="(Fonte: Sebastião Salgado / Reprodução)"><figcaption>Nas imagens de <i>Gold</i>, milhares de pessoa se amontoam e dão a sensação de formigueiro humano. (Fonte: Sebastião Salgado / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Na época, Sebastião Salgado tocava um projeto ambicioso chamado <i>Workers</i>, que consistia em fotografar 42 histórias diferentes sobre o trabalho manual em diversos ângulos. Dentre eles, entrava o registro da maior mina a céu aberto no mundo, localizada no Pará.</p><p>Salgado foi até lá e passou 33 dias no local com a sua câmera, optando por fotografar com filme preto e branco, o que trouxe um ar mais dramático às cenas registradas. Em palavras veiculadas em uma das exposições da série, o fotógrafo mineiro pontuou uma síntese do que viu: “o que dizer desse metal amarelo e opaco que leva homens a abandonar seus lares, vender seus pertences e cruzar um continente a fim de arriscar suas vidas, seus corpos e sua sanidade por causa de um sonho?”.</p><p>As imagens logo chegaram até a Europa e carregaram para o mundo uma visão sobre uma tragédia humana: a de que o emprego manual, que definia o conceito de <a href="https://www.megacurioso.com.br/politica/43169-sera-que-karl-marx-odiava-mesmo-o-capitalismo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">proletariado</a> (ou seja, a capacidade de vender o seu trabalho) estava prestes a ser substituído pela mecanização e pela informatização.&nbsp;</p><p>Os 50 mil homens que estavam no local logo seriam substituídos por técnicas de mineração mecânica. "Olhando agora para trás, poderíamos ter prestado mais atenção quando vimos as incertezas sociopolíticas emergentes daquilo que chamávamos levianamente de 'comunidades pós-industriais'", afirma Neil Burgess, um famoso agente que atuou na venda da série de Salgado para galerias internacionais.</p><h2>A importância do trabalho de Sebastião Salgado</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/16/16121828626003.jpeg" alt="(Fonte: Sebastião Salgado / Reprodução)"><figcaption>A obra de Sebastião Salgado levou ao mundo cenas da exploração de trabalhadores miseráveis. (Fonte: Sebastião Salgado / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>A obra de Sebastião Salgado não foi a única de destaque de sua carreira, mas ajudou a mostrar a todos os cantos do mundo a potência do trabalho deste fotógrafo brasileiro, que é constantemente equiparado a nomes como Edward Weston, George Brassaï e Robert Capa. Entre outros temas, ele já registrou as consequências do declínio do trabalho manual e industrial, a <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128565-antigas-cidades-de-2-500-anos-sao-encontradas-na-amazonia.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Amazônia</a> e as grandes migrações em massa.</p><p>Com <i>Gold</i>, ele não se tornou o primeiro fotógrafo a registrar o garimpo da <a href="https://www.megacurioso.com.br/acontecimentos-historicos/98777-estas-15-fotos-epicas-contam-um-pouco-da-historia-do-brasil-e-do-mundo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Serra Pelada</a> (o pioneirismo foi do fotojornalista português naturalizado brasileiro Juca Martins), mas deu a cara definitiva para esse fenômeno, explicitando a situação miserável daquelas pessoas e esclarecendo como o <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/112625-monopoly-e-o-lado-sombrio-do-capitalismo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">capitalismo</a> explora vorazmente a força de trabalho do proletariado.</p><p>Nem sempre seu olhar foi avesso a críticas. Alguns pensadores, como Susan Sontag, o acusaram de estetizar a pobreza, ou seja, de retratar cenas terríveis de uma forma que é até agradável aos olhos. Mas há outras análises que já apontaram detalhes nem sempre visíveis a todo mundo, como o fato que o fotógrafo se coloca em um ângulo abaixo dos trabalhadores quando os documenta, empoderando-os.</p><p>Independente das opiniões divergentes, o fato é que <i>Gold</i> se configurou como um grande clássico do fotojornalismo e guarda o posto de obra determinante ao olhar que o mundo todo tem dos trabalhadores nas regiões mais pobres do planeta.</p>

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Conheça a história de "Gold", as fotos de Sebastião Salgado sobre Serra Pelada

Alguns registros fotográficos têm o poder de mudar a forma como vemos as coisas.

<p>Se você acha que uma fotografia é só uma imagem, pense de novo. Há fotos icônicas que acabaram se tornando símbolos das mudanças que se prenunciavam na sociedade, alterando a forma pelas quais enxergamos o mundo. São registros feitos por profissionais sensíveis que, com seu talento, trouxeram permanência a eventos marcantes da era moderna.</p><h2>1. "Department Store, Mobile, Alabama", de Gordon Sparks (1956)</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11140007251162.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/ Reprodução)"><figcaption>“Department Store, Mobile, Alabama”, de Gordon Sparks. (Fonte: Wikimedia Commons/ Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Esta foto, feita por Gordon Parks, está entre as mais importantes da história. Em 1956, o fotojornalista, que era negro, foi enviado para documentar os efeitos das leis de segregação das Leis <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/107183-5-referencias-ao-racismo-no-clipe-this-is-america-de-childish-gambino.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Jim Crow</a> no sul dos Estados Unidos. Ao chegar em Mobile, no Alabama, ele registrou cenas do cotidiano de uma família que expressavam bem essa discriminação.</p><p>Nas fotos, ele capturava intencionalmente os cartazes em que se lia frases como “Somente brancos” ou “Para pessoas de cor”. A foto “Department Store, Mobile, Alabama” (1956) só foi divulgada em 2012, e tornou-se um ícone tardio daquela época. Ela mostra Joanne Thornton Wilson, então com 27 anos, com sua sobrinha, Shirley Anne Kirksey. Ambas estão paradas sob uma placa de neon cujo texto pode ser traduzido livremente como "Entrada para pessoas de cor". Ainda assim, a moça carrega um certo ar desafiador. Em 2013, Joanne deu uma entrevista sobre a foto e disse: “Vestir-se bem me fez sentir de primeira classe”.</p><h2>2. "Guerrillero Heroico (Che Guevara)", de Alberto Korda (1960)</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11135842456161.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>"Guerrillero Heroico (Che Guevara)", de Alberto Korda. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Poucas fotografias são mais icônicas do que esta, feita por Alberto Korda, o fotógrafo favorito de Fidel Castro. Ele capturou o retrato definitivo de <a href="https://www.megacurioso.com.br/fotografia/97994-conheca-a-historia-por-tras-de-uma-das-imagens-mais-iconicas-do-planeta.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Che Guevara</a> aos 31 anos durante um funeral em Havana em 1960, enquanto Fidel fazia um discurso. Sua expressão é repleta de sentidos: ele parece carregar uma raiva contida, ao mesmo tempo em que guarda ares de visionário ao mirar o horizonte.</p><p>Cinco anos mais tarde, Che Guevara se demitiria do gabinete de Fidel Castro para se juntar a causas revolucionárias no Congo e na Bolívia, onde liderou guerrilhas. Contudo, esta foto de Alberto Korda só foi amplamente conhecida depois que Guevara foi morto soldados bolivianos em 1967. Ela passou então a figurar em milhares de camisetas e cartazes.</p><h2>3. "The Self-Immolation of the Buddhist Monk Thích Quang Ðuc in Saigon", de Malcolm Browne (1963)</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11135552682160.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>"The Self-Immolation of the Buddhist Monk Thích Quang Ðuc in Saigon", de Malcolm Browne. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Esta imagem foi feita pelo repórter fotográfico Malcolm Browne, que estava entre os únicos fotojornalistas em Saigon quando o monge Thích Quang Ðuc ateou fogo a si mesmo em 1963. Ele executava naquele momento um ato de protesto contra a perseguição do governo sul-vietnamita à população budista.&nbsp;</p><p>Como se pode ver na foto, no momento de sua morte, ele estava cercado de monges. A foto foi enviada para os escritórios da Associated Press e ganhou o mundo. Quando o presidente <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/120407-17-imagens-raras-e-chocantes-do-dia-do-assassinato-de-john-kennedy.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">John F. Kennedy</a> a viu, ele teria exclamado “Jesus Cristo!” e ordenado uma revisão da política que seu governo mantinha para o Vietnã. Foi uma imagem tão poderosa que realmente mudou o estado das coisas.</p><h2>4. "Mina de Ouro de Serra Pelada, Estado do Pará, Brasil", de Sebastião Salgado (1986)</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11135439168159.jpg" alt="(Fonte: Robert Klein Gallery / Reprodução)"><figcaption>"Mina de Ouro de Serra Pelada, Estado do Pará, Brasil", de Sebastião Salgado. (Fonte: Robert Klein Gallery / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O brasileiro <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/111236-sebastiao-salgado-e-esposa-restauram-600-hectares-de-mata-atlantica.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Sebastião Salgado</a> colocou seu nome entre os grandes fotógrafos de todos os tempos. E uma de suas imagens mais famosas é esta que mostra a Serra Pelada, no Pará, em que mineiros buscavam o sonho de encontrar ouro.</p><p>Na foto, vemos os corpos curvados e frágeis desses homens que se enfiam em um grande buraco na terra. Para fazer essa série, Salgado passou 35 dias na Serra Pelada convivendo com esses mineiros, para por fim gerar imagens que se tornariam um testemunho vivo das condições terríveis que estas pessoas enfrentavam para tentar fugir da miséria.</p><h2>5. “I Am a Man: Sanitation Workers Strike, Memphis, Tennessee,” de Ernest C. Withers (1968)</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11140125767163.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>O fotojornalista Ernest C. Withers fez o último registro de uma ação de Martin Luther King. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><div data-testid="lazy-image"><div data-testid="lazyimage-container">Em um de suas últimas semanas de vida, <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/120958-como-henry-d-thoreau-influenciou-martin-luther-king-jr.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Martin Luther King Jr</a>. participou de um protesto de trabalhadores negros que estavam em greve por condições mais seguras e salários melhores em Mênfis, nos Estados Unidos. No seu discurso, King ressaltou a ligação entre a luta pelos direitos civis dos americanos e as de pessoas pobres e sem direitos em todo o mundo.</div><p>Os trabalhadores ao seu redor seguravam placas que traziam a frase "Eu sou um homem". Tratava-se de um protesto que reivindicava o respeito aos direitos mais básicos daqueles cidadãos. A foto que marcou esse momento foi tirada pelo fotojornalista negro Ernest C. Withers, que era nascido em Mênfis. A imagem acabou se tornando o registro oficial da última grande ação de direitos civis de Martin Luther King.</p></div>

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5 fotos icônicas que mudaram o mundo

Durante o final do século XIII e início do XIV, vários livros começaram a mostrar margens com desenhos de caracóis gigantes humilhando cavaleiros armados.

<p>Durante a Idade Média, uma série de ilustrações colocadas nas margens dos livros, que eram verdadeiras obras de artes feitas à mão, permanece até hoje como um mistério. <strong>Produzidas principalmente no final do século XIII, por iluministas que decoravam apenas as margens</strong> (a chamada arte Marginalia), <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128502-por-que-os-caracois-e-as-lesmas-sao-tao-lentos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">as figuras representam caracóis gigantes lutando contra cavaleiros com armaduras</a>.</p><p>Esse tipo de arte, que na maioria das vezes nada tinha a ver com o tema principal do livro, funcionando apenas como um floreio final, era composto por bordas ornamentadas por folhas, seres fantásticos e ilustrações aleatórias. <strong>Esses acréscimos eram colocados depois de o livro ter sido terminado,</strong> muitas vezes com pigmentos caros como o lápis-lazúli, uma pedra preciosa, ou realces de ouro.</p><p>A fixação repentina por moluscos gastrópodes guerreiros levou a historiadora da arte Lilian Randall a produzir um estudo, chamado “O caracol na guerra marginal gótica”. <strong>Na pesquisa, a autora encontrou 70 exemplos em 29 livros diferentes, produzidos entre os anos de 1290 e 1310</strong>.</p><h2>Como eram as cenas de caracóis e guerreiros?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/03/03214312508027.jpg" alt="x"><figcaption>O meme do caracol guerreira se espalhou para fora dos livros. (Fonte: Biblioteca Britânica / Divulgação)</figcaption></figure></figure><p><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/125059-imagens-revelam-como-funcionam-os-dentes-microscopicos-do-caracol.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Embora os caracóis guerreiros aparecessem em diversos cenários de livros variados,</a> havia um mote comum: <strong>uma espécie de caracol agressor oprimindo um cavaleiro de armadura</strong>. Em muitas cenas, os gastrópodes apontam suas antenas, que são, na verdade, tentáculos superiores, na direção dos cavaleiros, como se fossem espadas.</p><p>Segundo os professores entrevistados pela <i>BBC</i>, essa unidade cultural replicante, <strong>que pode ter sido um dos primeiros memes da história</strong>, começou a transcender os livros e se espalhar para outros locais, como construções. Em algumas catedrais, os caracóis lutadores aparecem esculpidas em fachadas.&nbsp;</p><h2>Por que tantos caracóis lutadores surgiram em livros medievais?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/03/03205701825003.jpg" alt="X . Fonte: Biblioteca Britânica/"><figcaption>Cavaleiro aparece subjugado pelo caracol, sugerindo covardia. (Fonte: Biblioteca Britânica/Divulgação)</figcaption></figure></figure><p>Para a professora de arte medieval da Universidade de Chicago, Marian Bleeke, <strong>a ideia básica da luta caracol-cavaleiro "é a derrubada de hierarquias existentes ou esperadas</strong>. Supõe-se que seja surpreendente e até engraçado — acho que hoje entendemos isso implicitamente", diz ela à <i>BBC</i>.</p><p>No entanto, a intenção pode ter sido apenas satírica, aponta Randall em seu estudo, uma vez que grande parte dos cavaleiros retratados aparece ajoelhada em oração, encarando seu oponente viscoso, com sua espada deixada de lado. <strong>O que fica claro na postura dos cavaleiros em relação aos caracóis é sua flagrante covardia</strong>, que, colocada em textos religiosos, pode ser uma espécie de zombaria aos ideias de bravura e piedade.&nbsp;</p><p>Bleeke acrescenta que a submissão dos cavaleiros aos caracóis <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/124047-os-mitos-e-misterios-dos-cavaleiros-e-das-lutas-de-espadas-medievais.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">pode reformular nossa ideia da visão idealizada do cavaleiro no mundo medieval</a>. "Para mim, <strong>essas imagens nos mostram que o gênero nunca foi tão estável ou seguro como algumas pessoas gostariam de pensar</strong>. Sempre foi um campo de disputa", conclui a professora.</p>

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O mistério dos caracóis lutadores da Idade Média

Reconhecido pelo Guinness, Ace-Liam Ankrah usa mãos e corpo para fazer desenhos com tinta acrílica.

<p>Artistas dos mais diferentes campos muitas vezes levam anos para serem reconhecidos, ou conquistam a fama e têm as obras valorizadas <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125207-5-fatos-pouco-conhecidos-sobre-van-gogh.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">apenas após a morte</a>. Mas um prodígio nascido em Gana entrou até para o Livro dos Recordes por ser um artista literalmente desde o berço.</p><p><strong>Ace-Liam Nana Sam Ankrah</strong> nasceu em dezembro de 2022 na região de Accra, capital do país africano. Com <strong>um ano e 152 dias de vida</strong>, ele foi reconhecido oficialmente pelo <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125320-8-recordes-de-celebridades-que-estao-no-guinness-book.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Guinness</a> como <strong>o mais jovem artista do sexo masculino</strong>.</p><ul><li><strong>Saiba mais: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/128651-lucro-e-mentiras-a-verdade-por-tras-do-guinness-world-records.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Lucro e mentiras: a verdade por trás do Guinness World Records</strong></a></li></ul><p>Para além do título de recordista, a família de Ace-Liam agora busca melhores oportunidades para a sua educação desde o nível básico. Ele já está concorrendo a bolsas internacionais para, quem sabe, seguir a carreira na pintura.</p><h2>Por que Ace-Liam é considerado artista?</h2><p>O título veio após uma série de exigências do Guinness para que uma criança tão jovem fosse considerada um artista. O candidato deveria ter <strong>uma série de obras já prontas e fazer ao menos uma exposição oficial</strong> em um local como uma galeria, por exemplo.</p><p>Além disso, Ace-Liam <strong>precisava ter vendido ao menos uma de suas pinturas</strong>, com a nota fiscal encaminhada aos jurados como prova. Todas as etapas foram cumpridas, com a exposição The Soundout Premium Exhibition realizada no Museu de Ciência e Tecnologia de Gana.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11080923990004.jpg" alt="Ace-Liam no processo de criação e diversão. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>Ace-Liam no processo de criação e diversão. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>Ao todo, das dez pinturas exibidas, nove foram compradas por admiradores e colecionadores locais. O recorde foi então confirmado, sendo que o jovem artista já dobrou a quantidade de pinturas produzidas desde então.</p><h2>Como o jovem artista cria as pinturas</h2><p>Segundo a mãe de Ace-Liam, a também artista Chantelle, o menino demonstrou que se sentia confortável e feliz com a pintura <strong>aos seis meses de idade</strong>. Nessa época, ele foi colocado em contato com tintas e telas pela primeira vez.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11081056557007.jpg" alt="Ace-Liam já tem mais de 20 quadros. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>Ace-Liam já tem mais de 20 quadros. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>Enquanto aprendia a engatinhar, o menino passou a espalhar a tinta por um tecido de lona no chão e criar formas abstratas usando diferentes cores. A mãe percebeu que a atividade estimulava a sua criatividade e passou a fornecer mais tinta e dedicar mais tempo a essa brincadeira.</p><p>Agora já começando a falar, Ace-Liam pede com frequência para a mãe para começar a pintar. De acordo com o seu humor do momento, ele até avisa quando terminou uma de suas obras e até já escolhe as cores favoritas.</p><ul><li><strong>Leia também: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/por-que-os-bebes-eram-tao-estranhos-e-assustadores-nas-pinturas-medievais" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que os bebês eram tão estranhos e assustadores nas pinturas medievais?</strong></a></li></ul><p>Todas as pinturas são feitas com tinta acrílica, usando as mãos ou o próprio corpo para espalhar o material. As sessões podem durar até meia hora ou poucos minutos, com ele voltando ou não para o mesmo quadro depois de um tempo. "As pinturas abstratas dele são inspiradas pelo mundo ao seu redor: cores, formas, texturas e o seu humor", diz a mãe.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11081123050008.jpg" alt="No colo da mãe, Ace-Liam vê a própria exibição de estreia como artista. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>No colo da mãe, Ace-Liam vê a própria exibição de estreia como artista. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>A carreira e as obras de Ace-Liam estão registradas <a href="https://www.instagram.com/ace_liam_paints/" rel="noopener noreferrer" target="_blank">no perfil do artista mantido pela família no Instagram</a>.</p>

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Artista mais novo do mundo vende primeira pintura com um ano e meio de vida

A talentosa poeta utilizou suas habilidades e sua marcante personalidade para revelar os desejos, as angústias e, sobretudo, a essência de muitas mulheres do início do século XIX.

<p style="text-align:justify;"><strong>Renée Vivien</strong>, poetisa britânica que <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/109224-serie-fotografica-revela-o-lado-nao-tao-romantico-de-paris.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">escolheu morar em Paris</a> e escrever em francês, é uma figura intrigante e complexa, cuja vida e obra transcenderam as normas sociais e literárias de sua época. Nascida <strong>Pauline Mary Tarn</strong> em 1877, em Londres, ela trocou a sobriedade inglesa pelo vibrante cenário artístico parisiense, adotando um novo nome e uma nova identidade.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Vivien chegou a Paris com uma herança robusta, oriunda de seu pai, que lhe proporcionou a liberdade de viver de maneira independente e de seguir sua paixão pela poesia. Aos 16 anos, ela já declarava a poesia como sua vocação, vendo nela uma ferramenta poderosa para elevar, inspirar e revelar verdades.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Esse profundo senso de missão refletiu-se em toda sua obra, que desafiava as normas literárias e sociais ao expressar de forma explícita e poética o amor entre mulheres. Renée Vivien se tornou um ícone do amor sáfico, marcando a história com sua poesia profundamente sentimental e sua vida cheia de excessos e controvérsias.</p><h2 style="text-align:justify;">Relacionamentos inspiradores</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/03/03110634936052.png" alt="Renné era uma mulher muito a frente de seu tempo. (Fonte: Wikimedia Commons/ Reprodução) "><figcaption>Renée era uma mulher muito a frente de seu tempo. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">Seu relacionamento com <strong>Natalie Clifford Barney</strong>, uma famosa dramaturga e <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/123419-enheduana-a-primeira-escritora-conhecida-do-mundo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">escritora</a>, foi um dos mais significativos de sua vida. Barney, uma mulher igualmente notável, <strong>rejeitava a monogamia e vivia abertamente como lésbica, influenciando profundamente Vivien</strong>.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Juntas, compartilharam um amor pela poetisa grega Safo (entre 630 e 604 a.C.), cuja obra foi uma inspiração central para Vivien. Ela se empenhou tanto que aprendeu grego antigo para traduzir e reescrever os poemas de Safo, <strong>publicando a primeira tradução explicitamente lésbica da poesia da antiga poeta.</strong></p><p style="text-align:justify;">Além de Barney, Vivien teve outros romances intensos e muitas vezes trágicos. <strong>Um de seus amores mais profundos foi com a baronesa Hélène van Zuylen</strong>, uma mulher casada e membro da famosa família Rothschild. Apesar das restrições sociais que impediam que seu relacionamento fosse público, Vivien considerava-se casada com Hélène.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">No entanto, a relação terminou dolorosamente quando <strong>Hélène a deixou por outra mulher, levando Vivien a uma espiral de depressão e vícios</strong>.</p><p style="text-align:justify;">Vivien também teve um relacionamento apaixonado com Kérimé Turkhan Pasha, esposa de um diplomata turco, mas as restrições <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/123699-6-pratos-e-tradicoes-culinarias-que-sao-patrimonios-culturais.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">culturais e sociais</a> impediram que seu amor se realizasse plenamente. Na verdade, a interação entre as duas só ficou contida a conversas por meio de cartas.</p><p style="text-align:justify;">Todas essas experiências amorosas intensas e muitas vezes dolorosas foram imortalizadas em seus poemas, que frequentemente exploravam temas de desejo, saudade e perda.</p><h2 style="text-align:justify;">Uma mulher moderna, exótica e intensa</h2><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="https://mega.ibxk.com.br/2024/06/04/04153813294115.jpg" alt="Renée_Vivien_-_Sehab_&amp;_Joaillier,_circa_1901._(Image_No._SIA2015-006912).jpg" srcset="https://mega.ibxk.com.br/2024/06/04/04153813340116.jpg 111w,https://mega.ibxk.com.br/2024/06/04/04153813372118.jpg 356w,https://mega.ibxk.com.br/2024/06/04/04153813356117.jpg 534w,https://mega.ibxk.com.br/2024/06/04/04153813387119.jpg 712w," sizes="100vw"><figcaption>Renée Vivien fotografada por Sehab &amp; Joaillier em c.1901. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure><p style="text-align:justify;">Renée Vivien não só se destacou por sua poesia, mas também por seu estilo de vida extravagante. Ela era conhecida por suas roupas opulentas, frequentemente inspiradas na arte pré-rafaelita, e por manter um <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128156-qual-e-a-melhor-alternativa-para-manter-animais-em-zoologicos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">zoológico</a> de animais exóticos, incluindo uma leoa de estimação chamada Djuna.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Sua vida social era igualmente notável, cercada por figuras proeminentes da Belle Époque como a escritora Colette e a própria Barney.</p><p style="text-align:justify;">A vida de Renée Vivien foi curta, mas cheia de intensidade. <strong>Ela morreu aos 32 anos</strong>, <strong>após anos de luta contra a depressão, anorexia e vícios (principalmente em álcool e em drogas famosas na época, como o&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/124804-laudano-a-droga-favorita-da-epoca-vitoriana.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>láudano</strong></a><strong>&nbsp;e o cloral)</strong>. Sua morte prematura não obscureceu sua influência; pelo contrário, solidificou sua posição como uma figura trágica e fascinante da literatura.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;"><strong>Sua obra poética</strong>, marcada por <strong>uma mistura de influências decadentes, parnasianas e simbolistas</strong>, é um testemunho duradouro de sua tentativa de reescrever <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/128910-5-historias-que-fazem-parte-da-mitologia-gnostica.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">mitos antigos</a> a partir de uma perspectiva feminina e lésbica.</p><p style="text-align:justify;">Hoje, Renée Vivien é lembrada como uma pioneira que desafiou as convenções de seu tempo. Sua poesia e sua vida continuam a inspirar e a fascinar, oferecendo um olhar raro e sincero sobre o amor sáfico em uma época de grande transformação cultural.</p>

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Renée Vivien: a poetisa sáfica que escandalizou a Paris da Belle Époque

Primeiro retrato oficial do Rei Charles III desde que assumiu o posto foi apresentado recentemente, gerando memes e causando grande alvoroço.

<p>Pouco mais de um ano após ser coroado <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/122905-o-que-esperar-do-rei-charles-iii-do-reino-unido.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Rei do Reino Unido</a>, <strong>Charles III recebeu seu primeiro retrato oficial no Palácio de Buckingham</strong>. Pintado pelo artista britânico Jonathan Yeo, o monarca viu o quadro gerar enorme agitação, em especial nas redes sociais, que se dividiram entre os que apreciaram o trabalho e os que viram ali motivo para uma enxurrada de memes.</p><p>O uso predominante de tons de vermelho fez o trabalho de dois anos de Yeo, iniciado quando Charles III ainda era apenas o Príncipe de Gales, ser chamado de misterioso e poderoso. Ao mesmo tempo, <strong>foi apontado como uma crítica sutil ao terror</strong> levado pelos <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/tarenorerer-a-feroz-rebelde-que-lutou-contra-colonizadores-na-tasmania" rel="noopener noreferrer" target="_blank">colonizadores</a> a mando da coroa britânica.</p><h2>1. Vermelho tem origem na Guarda Galesa</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02194706587002.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Charles III também era Coronel do Regimento da Guarda Galesa. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Apesar das piadas com a cor vermelha do retrato do Rei Charles III representar a morte causada pela colonização britânica, a escolha é representativa do uniforme da Guarda Galesa. No início do projeto de pintura, Charles era não apenas o Príncipe de Gales, mas Coronel do Regimento da Guarda Galesa.</p><p>Seguindo a tradição de retratos reais de monarcas do sexo masculino estarem uniformizados, Jonathan Yeo pintou o rei com o casado da Guarda, apoiado em uma espada cerimonial à sua frente. Segundo o artista, ele quis proporcionar um "choque contemporâneo", fazendo referências às tradições de retratos reais de maneira que refletisse a monarquia do século XXI.</p><h2>2. Não é o primeiro trabalho de Jonathan Yeo para a família real</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195130945004.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>Antes do rei, Yeo pintou a rainha Camila e o Príncipe Philip. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Jonathan Yeo é um dos mais conceituados artistas britânicos da contemporaneidade. No seu leque de personalidades, estão pinturas para estrelas de Hollywood como Nicole Kidman e Idris Elba, a socialite <a href="https://www.megacurioso.com.br/personalidades/99479-criaram-um-lenco-antipaparazzi-que-arruina-as-fotos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Paris Hilton</a> e a modelo Cara Delevigne. Todavia, engana-se quem acredita que a pintura do Rei Charles III é sua primeira incursão na família real.</p><p>Apesar do retrato do atual rei do Reino Unido ser seu trabalho de maior prestígio com a realeza até o momento, Yeo já teve a oportunidade de retratar com suas pinceladas a rainha Camilla e o falecido Príncipe Philip.</p><h2>3. A pintura mostra uma borboleta pousando no ombro de Charles III</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195257090005.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>No ombro direito do monarca, uma pequena borboleta representa a metamorfose. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Na enxurrada de críticas, memes e discussões, talvez poucos tenham se dado conta que o retrato do Rei Charles III pintado por Jonathan Yeo carrega um detalhe singelo: no lado esquerdo da pintura, sobre o ombro direito do monarca, uma <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/124009-6-borboletas-nativas-do-brasil-que-sao-incrivelmente-belas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">borboleta</a> bate suas asas ensaiando um pouso.</p><p>Segundo o artista, a ideia surgiu a partir de conversas com o próprio monarca. Inicialmente, seria um aceno ao interesse de Charles pelas questões ambientais, com as quais se envolveu em parte considerável da vida. No fim, porém, acabou sinalizando uma lembrança da Rainha Elizabeth, já que, na história da arte, borboletas são associadas à metamorfose.</p><h2>4. Charles foi coroado entre uma sessão e outra</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02200139793007.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Foram mais de dois anos de sessões para a pintura, finalizada após a coroação. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>A pintura do Rei Charles III, a primeira desde que assumiu o trono do Reino Unido, é um projeto concebido ao longo de mais de dois anos. Jonathan Yeo e o monarca começaram o processo em junho de 2021, quando ainda era Príncipe de Gales. A finalização ocorreu em novembro de 2023, com o rei já coroado.</p><p>As sessões ocorriam no estúdio de Yeo na cidade de Londres, momentos em que Charles permanecia por 40 minutos apoiado na espada que o acompanha no quadro. Além da presença real, o artista também utilizou fotografias para compor o retrato real.</p><h2>5. O quadro será exibido em Drapers' Hall</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195434256006.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Drapers' Hall pode ser visitado caso esteja com agenda livre. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Logo após ser apresentado oficialmente, o retrato do Rei Charles III ficou em exibição na Philip Mold Gallery, em Londres. Entretanto, a pintura ficará em um local de arte privado, devendo ser transferida para o Drapers' Hall, no sul da capital inglesa, no fim de agosto.</p><p>O retrato do rei dividirá espaço com outras obras reais, como esculturas, bustos da falecida <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/127235-6-coisas-que-mudaram-desde-a-morte-da-rainha-elizabeth.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Rainha Elizabeth</a> e do próprio Charles, além de um retrato do Duque de Wellington.</p><p>O Drapers' Hall não costuma ficar aberto ao público, já que é um local utilizado para casamentos e eventos sociais da elite londrina. Porém, caso não haja nada na agenda da galeria, é possível agendar um passeio pago para visitação.</p>

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5 fatos sobre o retrato oficial do Rei Charles III que você não sabia

Marcado pela qualidade de seu trabalho, Salvador Dalí também deixou uma coleção de frases impactantes, símbolos de seu perfil único como artista.

<p>Líder do <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/o-que-foi-a-exposicao-internacional-do-surrealismo-de-1938" rel="noopener noreferrer" target="_blank">movimento surrealista</a>, <strong>o espanhol Salvador Dalí é um dos maiores artistas da história contemporânea</strong>. Conhecido por suas habilidades técnicas, pela precisão de seus desenhos e por imagens impressionantes, ele influenciou diferentes aspectos da vida, impactando campos como a arte, a cultura popular, a moda, o cinema, a fotografia e até mesmo a publicidade.</p><p>Seu talento transpôs o campo da arte, fazendo-o querer ser ouvido por todos, ávidos para que o artista <strong>compartilhasse suas visões de mundo</strong>. Foi assim que Dalí legou à humanidade frases célebres, que colaram em sua persona um caráter semelhante ao de um <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125513-4-filosofos-que-morreram-de-formas-bizarras.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">filósofo</a>. Comentários sobre o exercício artístico, sobre a ambição, a busca pela perfeição e uso de drogas denotam o seu perfil ímpar entre colegas do movimento e artistas do século XX.</p><h2>1. "Inteligência sem ambição é um pássaro sem asas"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125347913000.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)"><figcaption>A mãe de Dalí foi preponderante no impulsionamento de sua carreira. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Salvador Dalí nasceu em uma família catalã no ano de 1904. Filho de pai advogado de classe média com uma dona de casa, teve seu lado artístico incentivado desde cedo. Sua mãe, Felipa Domènech Ferrés, sabia que os talentos do filho o levariam ao auge, mas para tal era fundamental ser ambicioso.</p><p>Sua mudança para a capital espanhola, <a href="https://www.megacurioso.com.br/roteiros/76320-madri-inaugura-parque-com-passarela-de-mais-de-250-metros.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Madri</a>, aos 18 anos, para estudar na Real Academia de Belas Artes de San Fernando, foi preponderante para construir o fantástico artista que assombrou o mundo.</p><h2>2. "Nunca usei drogas porque eu sou a droga"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125448016001.png" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/72/Salvador_dali_3_-_6667730623.jpg"> Wikimedia Commons </a>Uma de suas emblemáticas frases foi dita a um jornalista brasileiro. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Em 1973, Salvador Dalí concedeu uma entrevista exclusiva ao jornalista brasileiro Alberto Oliva, do jornal O Globo, no Hotel St. Regis, em Nova York. No meio de toda a excentricidade do artista plástico, uma de suas fases mais emblemáticas foi pronunciada.</p><p>Dalí respondia sobre ser uma pessoa que não fumava e nem bebia, ampliando para dizer que não precisava de drogas, pois sua mente era suficientemente <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128635-4-plantas-psicodelicas-e-seus-efeitos-alucinogenos-no-cerebro.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">alucinógena</a>. Dizia o espanhol: "Por que teria que usar drogas num mundo de gente com alucinações?".</p><h2>3. "A diferença entre as falsas memórias e as verdadeiras é a mesma entre as joias: são sempre as falsas que parecem mais reais, mais brilhantes"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125540931002.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1f/Salvador_Dali_seated_in_a_bathtub.jpg/624px-Salvador_Dali_seated_in_a_bathtub.jpg"> Wikimedia Commons </a>Dalí incorporou elementos do trabalho de Einstein. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Se a memória humana pode não ser um instrumento perfeito, talvez tenha sido Salvador Dalí o melhor a conceituar a questão. Dizia o artista plástico espanhol que as memórias criadas parecem mais reais e brilhantes. Curiosamente, o título de uma de suas peças mais famosas é, justamente, <i>A persistência da memória</i>, concluída em agosto de 1931.</p><p>Há críticos especializados que sugerem que o artista estava incorporando uma compreensão do mundo a partir da teoria da relatividade espacial criada por <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/124270-o-dia-que-albert-einstein-foi-questionado-sobre-ovnis.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Albert Einstein</a>.</p><h2>4. "O termômetro do sucesso é apenas o ciúme dos descontentes"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125627659003.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Salvador_Dal%C3%AD_%281972%29_%285811723274%29.jpg/592px-Salvador_Dal%C3%AD_%281972%29_%285811723274%29.jpg"> Wikimedia Commons </a>Apoiador do regime franquista, Dalí esnobava os críticos. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>A vida do surrealista mudaria substancialmente com sua chegada aos Estados Unidos, em 1940. Lá, Salvador Dalí alcançaria não apenas reconhecimento artístico, mas sucesso comercial. Sua primeira exposição no país aconteceu em Nova York, na galeria de Julien Levy, em 1933, o que lhe rendeu o convite para uma mudança definitiva.</p><p>No entanto, seu comportamento público excêntrico e ostentoso (e o apoio ao <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/118753-mais-de-300-mil-bebes-foram-roubados-durante-o-fascismo-na-espanha.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">regime do General Franco</a>) constantemente chamava mais a atenção do que suas obras – de modo particular de seus críticos. Para Dalí, as críticas ditavam o tamanho de seu sucesso.</p><h2>5. "Desenhar é a honestidade da arte. Não há possibilidade de enganar. Ou é bom, ou é ruim"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125928685005.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Dali_headshot.jpg/578px-Dali_headshot.jpg"> Wikimedia Commons </a>Salvador Dalí tinha no desenho uma de suas maiores virtudes. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Foi a partir da segunda metade da década de 1920 que o trabalho de Dalí se tornou cada vez mais influenciado pelo surrealismo. Seus desenhos se tornaram cada vez mais precisos, provocando perplexidade entre o público e debates acalorados entre os críticos. Para o espanhol, o desenho era uma das artes em que possuía mais virtude, pois se tratava de um gênero artístico avesso à trapaça: ou se é bom, ou se é ruim.</p><h2>6. "Existe apenas uma diferença entre um louco e eu. O louco pensa que é são. Eu sei que estou louco"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26130055282006.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/47/Salvador_Dal%C3%AD_Paris_1934_restored.jpg/621px-Salvador_Dal%C3%AD_Paris_1934_restored.jpg"> Wikimedia Commons </a>Entre o jovem e o maduro Dalí, a aceitação da loucura como inerente a seu processo criativo. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Durante uma de suas primeiras visitas aos Estados Unidos, Salvador Dalí foi convidado para conduzir três palestras sobre surrealismo no Museu de Arte Moderna (MoMA). Foi ali, durante um público ávido por ouvir mais de uma dos mais proeminentes artistas da época, que afirmou não ser louco. Anos depois, mudou de ideia, porque passou a enxergar a maneira como conduzia seu processo criativo como algo próximo à loucura.</p>

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6 frases marcantes ditas por Salvador Dalí

Filme da Disney Plus relata a vida e a mente criativa do pai dos Muppets, um dos grandes artistas do seu tempo.

<p>As crianças e os adultos dos anos 1970 e 1980 certamente se lembram dos Muppets e deram boas risadas com as piadas de Caco, Miss Piggy e todo o resto da turma. Os personagens são obra da mente genial de um homem chamado <strong>Jim Henson</strong>, uma das mentes mais criativas de sua época.</p><p>Além dos Muppets, Jim Henson foi também responsável por outros trabalhos muito marcantes, como o filme<i>&nbsp;Labirinto, A Magia do Tempo</i>, e participou da produção de séries icônicas como <a href="https://www.megacurioso.com.br/televisao/75380-18-curiosidades-sobre-a-familia-dinossauro.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i>A Família Dinossauro</i></a>. Agora, o documentário <i><strong>Jim Henson, o Homem das Ideias</strong>,&nbsp;</i>da Disney Plus, relata a vida e o legado deste homem tão importante para a cultura popular.</p><p>O filme foi dirigido por Ron Howard (vencedor do Oscar de melhor direção em 2002 pelo filme<i>&nbsp;Uma Mente Brilhante</i>), que concedeu uma entrevista exclusiva para Isabelli Pivovar, editora-assistente do <strong>Mega Curioso.&nbsp;</strong>A seguir, conheça mais sobre a fantástica história de Jim Henson.</p><h2>Quem foi Jim Henson?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26111600419013.jpg" alt="(Fonte: GettyImages/ Reprodução)"><figcaption>O artista Jim Henson acompanhado de Caco, o Sapo. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Nascido em 1936, Jim Henson foi uma mente à frente do seu tempo. Ao conhecer a televisão, um novo meio de comunicação de sua época, ele ficou absolutamente fascinado e logo encontrou um emprego como marionetista em uma emissora local enquanto ainda era adolescente.</p><p>Curiosamente, a experiência marcaria toda a sua trajetória profissional, já que o seu trabalho se destacaria justamente pela fusão entre a televisão e o teatro de fantoches. Quando estava na faculdade, Jim começou a fazer um programa diário de cinco minutos chamado <i>Sam and Friends.</i> Lá apareceriam pela primeira vez os personagens que depois brilhariam em seu trabalho mais famoso, <a href="https://www.megacurioso.com.br/luxo/82207-primeiros-esbocos-dos-muppets-serao-leiloados.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i>Os Muppets.</i></a></p><p>O carismático Caco, o Sapo — ou, atualmente, Kermit — era um deles. Logo, eles estrelaram no clássico<i>&nbsp;</i><a href="https://www.megacurioso.com.br/biologia/39163-cookie-e-voce-esponja-parecida-com-personagem-de-vila-sesamo-e-encontrada.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i>Vila Sésamo</i></a>, ganharam um programa próprio e se tornaram muito populares nos Estados Unidos e no mundo. O programa e os filmes dos<i>&nbsp;</i>Muppets foram veiculados em mais de 140 países e fizeram participações especiais em programas de TV como <i>The Today Show, The Ed Sullivan Show</i> e <i>The Jimmy Dean Show</i>.&nbsp;</p><p>Os Muppets se tornaram queridos pelas crianças e adultos por conta do humor anárquico extremamente peculiar dado a eles por Jim e sua equipe. Mas, além de serem muito engraçados, os Muppets também são lembrados pela inovação nos métodos de manipulação de bonecos e animação. Jim Henson foi responsável por muitas mudanças criativas dentro da televisão.</p><h2>Jim Henson, o homem das ideias</h2><p style="text-align:center;"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Ha1_8bkdLpo?si=wIBlMD1kXVdGzK88" title="YouTube video player" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe></p><p>O documentário<i>&nbsp;Jim Henson, o Homem das Ideias&nbsp;</i>foi feito com total colaboração da família Henson, que segue trabalhando com animação. O foco do filme é apresentar às novas gerações detalhes do processo criativo desse pioneiro da televisão e revelar aos fãs dos Muppets a intimidade desse homem visionário.</p><p>Em entrevista exclusiva concedida a Isabelli Pivovar, editora-assistente do<strong>&nbsp;Mega Curioso</strong>, <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/107241-confira-as-primeiras-reacoes-a-han-solo-uma-historia-star-wars.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Ron Howard</a> contou que fazer um documentário sobre Jim Henson foi uma oportunidade e tanto. Embora fosse já um fã dos Muppets, ele notou que não sabia muito sobre sua vida pessoal. "Eu fiquei fascinado ao descobrir o quanto eu não sabia sobre Jim Henson. Havia muito a aprender e muito o que compartilhar com o público", compartilhou.</p><p>Howard ficou empolgado com a ideia de não apenas narrar a sua história, mas também de entrar em contato com a sensibilidade e a estética de Jim Henson em seu trabalho artesanal de animação. "Jim e sua mulher, Jane, usaram uma nova mídia de sua época, que era a televisão, e começaram a fazer um trabalho muito experimental que era veiculado em momentos bem específicos, como às 11h da noite. Isso me lembrou muito da exploração de muitos produtores de conteúdos que usam a internet para expressar-se criativamente e aos poucos começam a construir uma relação com seu público", contou o cineasta.</p><p>O filme também revela ao público que Jim Henson produziu muito mais que os Muppets. Obras icônicas, como <a href="https://www.megacurioso.com.br/lugares-surpreendentes/36914-16-labirintos-deslumbrantes-para-se-perder.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i>Labirinto</i></a>, são lembradas a partir de depoimentos como o da atriz Jennifer Connelly, estrela do filme, além de falas da equipe de produção que atuou ao lado do artista.</p><p>"Fiquei maravilhado com a ética que Jim tinha em seu trabalho. Eu mesmo trabalho bastante, mas, na pesquisa para o filme, ouvi pessoas dizendo que ele trabalhava direto dois dias sem dormir. E isso sem ficar irritado, sem tratar mal a sua equipe, mas apenas mantendo um jeito obstinado de buscar a excelência. Ele também corria muitos riscos por conta de sua criatividade, algo que admiro muito. Eu adoraria ser mais como ele", confessa Ron Howard.</p><h2>O legado de uma mente genial</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26104749415011.jpg" alt="(Fonte: GettyImages/ Reprodução)"><figcaption>Jim Henson recebeu dois funerais em sua homenagem, com direito à presença dos Muppets. (Fonte: Getty Images/ Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Jim Henson faleceu em 1990 e recebeu várias homenagens que fizeram jus ao tamanho do seu trabalho. Na verdade, foram dois grandes memoriais que, inclusive, contaram com a presença dos Muppets. Infelizmente, essas <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/122969-4-dos-maiores-funerais-da-historia-recente.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">cerimônias</a> não foram veiculadas na televisão.</p><p>Os eventos foram abertos ao público e havia a recomendação para que ninguém usasse preto – afinal, Jim Henson era lembrado por sua alegria e bom humor até quando estava trabalhando sem parar. Os funerais ocorreram em Nova York e Londres, e tiveram a presença de uma banda de jazz.</p><p>Os Muppets, claro, se apresentaram. Um trecho de uma carta de Jim Henson, escrita quatro anos antes de sua morte, foi lida. A carta era direcionada aos seus cinco filhos e dizia: "É estranho escrever isso enquanto ainda estou vivo, mas não será fácil depois que eu for… Isso tudo pode parecer bobo para vocês, mas que diabos, eu fui embora e quem pode discutir comigo? Por favor, cuidem uns dos outros, e amem e perdoem a todos. A vida é boa, aproveitem-na".</p><p>Em outro momento, o personagem Garibaldo declarou: "Jim nos ensinou muitas coisas: salvar o planeta, ser gentis uns com os outros, louvar a Deus e ser bobo". Na vida e no trabalho, Jim Henson sempre será lembrado pelo seu pioneirismo, pela sua criatividade e, claro, pela sua mente inspiradora.</p>

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"Jim Henson, o Homem das Ideias": conheça a história do criador dos Muppets

Descubra os motivos por trás das representações bizarras de bebês na arte medieval e como essa tendência mudou durante o Renascimento.

<p>Ao visitar museus de arte medieval, muitos se surpreendem ao ver retratos de bebês com feições adultas e expressões severas. Essa característica peculiar intriga tanto curiosos quanto estudiosos de arte. Mas por que os artistas medievais pintavam bebês de maneira tão estranha?</p><h2>Jesus como o "homenzinho"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/19/19204141137002.jpg" alt=""><figcaption><i>Madona com menino</i>, de Paolo Veneziano, pintada em 1333. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Durante a <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/125423-como-era-a-vida-de-uma-pessoa-comum-na-europa-da-era-medieval.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Idade Média</a>, a Igreja Católica desempenhava um papel central na promoção das artes, com muitas pinturas focadas em temas religiosos. Um conceito-chave dessa época era o "homúnculo", que postulava que Jesus nasceu com feições adultas, simbolizando sua divindade desde o nascimento.</p><p>Por isso, os artistas medievais retratavam o menino <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/7-fatos-importantes-sobre-jesus-que-pouca-gente-se-lembra" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Jesus</a> com características adultas, estabelecendo esse padrão para todas as representações de crianças. Além da influência religiosa, a arte medieval era mais simbólica, buscando transmitir mensagens espirituais e morais. Portanto, os bebês eram representados sem suas características infantis reais.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver essa foto no Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; 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overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Uma publicação compartilhada por Mega Curioso (@megacurioso)</a></p></div></blockquote> <script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p>Outro ponto é que a instabilidade do período resultou na perda de conhecimentos técnicos, incluindo estudos detalhados de anatomia humana. Os artistas da época enfrentavam desafios significativos para entender a estrutura do corpo humano, já que o estudo da anatomia era associado à bruxaria e perseguido pela Igreja. Com acesso limitado a esse conhecimento e prática restrita, os artistas medievais retratavam bebês de maneira estilizada e pouco realista, contribuindo para representações menos precisas dos corpos humanos nesse período.</p><h2>A transição para o Renascimento</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/19/19205705282003.jpg" alt=""><figcaption><i>A Virgem com São José imberbe</i>, pintada por Raphael em 1506. (Fonte: Hermitage Museum / Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>No início do <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/119307-as-7-imagens-mais-estranhas-em-pinturas-renascentistas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Renascimento</a>, a arte ainda refletia fortes influências medievais. No entanto, à medida que o movimento avançava, os artistas passaram a adotar uma abordagem mais realista e detalhada, utilizando modelos vivos e observando o corpo humano com maior precisão. Inspirados pelo interesse crescente no naturalismo e pela observação direta da natureza, as representações de bebês e crianças tornaram-se mais fidedignas, afastando-se do simbolismo exagerado da Idade Média.</p><p>Além disso, durante a Renascença, os artistas ganharam mais liberdade criativa, permitindo uma diversificação dos temas além de figuras religiosas. Essa mudança de perspectiva também levou a uma nova visão da infância, onde as crianças passaram a ser retratadas como seres inocentes e angelicais, marcando uma clara ruptura com as representações da Idade Média.</p><p>As representações peculiares de bebês na arte medieval são um testemunho vívido da complexidade cultural e técnica da época, onde conceitos religiosos e limitações técnicas se entrelaçavam. No entanto, o Renascimento trouxe consigo uma revolução na forma como bebês eram retratados, abandonando as convenções estilísticas em favor de uma abordagem mais realista e encantadora. Essa mudança não apenas marcou uma evolução na arte, mas também refletiu uma nova compreensão da infância e da humanidade em sua totalidade.</p>

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Por que os bebês eram tão estranhos e assustadores nas pinturas medievais?

O significado atribuído às obras de arte podem variar conforme quem as observa, mas seu valor costuma não ser algo tão subjetivo.

<p>O entendimento sobre a representatividade de uma <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/121456-4-obras-de-arte-inspiradas-em-terriveis-acontecimentos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">obra de arte</a> pode ser subjetivo, já que é resultado do conhecimento e vivências individuais, por exemplo. No entanto, no mundo da arte, a subjetividade não encontra espaço quando o assunto são os valores monetários de uma peça, independente da linguagem artística.</p><p>Há séculos, a arte ganhou espaço, também, como símbolo de status e poder. Não à toa, vários mecenas ao longo da <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/125649-6-descobertas-que-mudam-muito-do-que-sabemos-sobre-o-passado-da-humanidade.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">história da humanidade</a> não se limitaram a fazer a arte acontecer por meio de financiamento, eles também garantiram para si um quinhão dos geniais artistas. Hoje, essas obras giram milhões em leilões, ou aumentam cifras hipotéticas nas paredes de famosas galerias.</p><h2>1. <i>Salvatore Mundi,</i> de Leonardo Da Vinci</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/07/07205840289029.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons)"><figcaption>Obra de Leonardo Da Vinci, Salvatore Mundi já foi vendida três vezes nos últimos 20 anos. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/128774-leonardo-da-vinci-era-um-procrastinador-nato.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Leonardo Da Vinci</a> foi um dos maiores artistas da história humana, a ponto de seu quadro <i>Salvatore Mundi</i> ser uma das obras de arte mais caras do mundo, avaliada em US$ 450 milhões – valor pago por um xeique saudita em 2017. O quadro é uma pintura de Jesus Cristo como o salvador do mundo e foi possivelmente pintada a pedido de Luís XII da França.</p><p>A peça, criada por volta do ano de 1500, foi redescoberta dentro de um lote em um leilão imobiliário em 2005, nos Estados Unidos, e foi atribuída ao pintor italiano por especialistas. Após ser restaurada, foi comprada em 2013 por Dmitry Rybolovlev, um oligarca russo que a repassou quatro anos depois.</p><h2>2.<i>&nbsp;L’homme au doigt,&nbsp;</i>Alberto Giocometti</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/07/07223114951013.jpg" alt="(Fonte: Christies/Reprodução)"><figcaption>Alberto Giocometti é responsável pela escultura mais cara já vendida no mundo. (Fonte: Christies/Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Alberto Giocometti foi um artista plástico suíço muito reconhecido por seu talento na elaboração de esculturas e pinturas <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/o-que-foi-a-exposicao-internacional-do-surrealismo-de-1938" rel="noopener noreferrer" target="_blank">surrealistas</a> e expressionistas. Sua obra <i>L’homme au doigt,</i> "O Homem que Aponta", em tradução livre, é uma peça de bronze com 177,5 centímetros de altura que expressa a obsessão do artista com a representação da figura humana, em especial a filosofia do existencialismo.</p><p>Ela faz parte de uma série que contou com seis outras obras. É considerada a escultura mais cara já leiloada no mundo, tendo sido arrematada na Christie's, em Nova York, por um valor exorbitante de US$ 141,28 milhões.</p><h2>3. <i>Interchange</i>, de Willem Kooning</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/07/07223415318014.jpg" alt="(Fonte: História Arte/Reprodução)"><figcaption>O expressionismo abstrato está presente nesta obra de US$ 328 milhões. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>De origem holandesa, Willem Kooning foi um dos principais nomes do expressionismo abstrato e pioneiro da<i>&nbsp;</i>action painting<i>.&nbsp;</i>Sua obra <i>Interchange</i>, algo como "Intercâmbio" ou "Troca", é um óleo sobre tela de sua fase expressionista. Kooning pintou uma peça que mostra a representação do artista para uma mulher sentada em forma de massa rosa.</p><p>Curiosamente, o pintor nomeou sua pintura com o nome do bairro em que residia na época que a fez. Em 2015, Interchange foi vendida ao gestor de fundos Kenneth C. Griffin por incríveis US$ 328 milhões.</p><h2>4. <i>Les joueurs de cartes,</i> de Paul Cézanne</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/07/07223559738015.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons)"><figcaption>Cézanne pintou muitas cenas cotidianas em suas obras. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>O pintor francês <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/108833-10-cenarios-de-quadros-famosos-que-voce-pode-visitar-algum-dia.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Paul Cézanne</a> foi responsável por criar as bases da transição do fazer artístico no século XIX para a arte considerada radicalmente inovadora, no século XX. Pinturas como<i>&nbsp;Les joueurs de cartes</i>, "Os Jogadores de Cartas", são dessa fase pós-impressionista.</p><p>A obra reflete uma cena cotidiana de dois homens que jogam cartas acompanhados de uma garrafa de vinho. Nela, Cézanne utilizou a famosa técnica de lapidação, o que a ajudou valer US$ 250 milhões, pagos pela família real do Catar para adquiri-la.</p><h2>5. <i>Wasserschlangen II,&nbsp;</i>de Gustav Klimt</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/07/07223936816018.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons)"><figcaption>Algumas das pinturas mais caras do mundo são de Gustav Klimt. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>O austríaco <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/107768-7-obras-de-arte-inacabadas-que-ainda-assim-sao-maravilhosas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Gustav Klimt</a> deixou inúmeros trabalhos entre pinturas, murais e objetos de arte, mas nenhum vale tanto quanto <i>Wasserschlangen II,</i> "Cobras na Água II", em tradução livre. Klimt procurou retratar na pintura duas ninfas lutando contra uma cobra vermelha.</p><p>Nos últimos anos, pinturas do austríaco renderam milhões, como <i>Bauerngärten</i>, vendida em 2017, e <i>Dame mit Fächer,&nbsp;</i>leiloada em 2023. Todavia, as técnicas próprias do autor, como o uso de metais como o ouro, tornaram<i>&nbsp;Wasserschlangen II&nbsp;</i>dignas de um lance de US$ 204 milhões, valor pago por Rosaline Wong, dona da coleção HomeArte, de Hong Kong.</p>

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