Existe uma lógica que justifica por que os desenhos animados costumam ser desenhados com quatro dedos ao invés de cinco.

<p>A maior parte dos humanos tem cinco dedos em cada uma de suas mãos e de seus pés. Por isso, é no mínimo bizarro notar a grande quantidade de personagens de desenhos animados que têm quatro dedos.</p><p>Será mera coincidência que o Bob Esponja, o Homer Simpson e o <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/119148-mickey-mouse-e-a-lei-de-direitos-autorais-qual-a-relacao.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Mickey Mouse</a> tenham todos essa mesma quantidade de dedos? A resposta é: não. E essa "tradição" remonta à época dos primeiros estúdios de animação.</p><h2>Por que os personagens de desenhos animados não têm cinco dedos?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/08/23/23210409711010.jpg" alt="Sim, o Mickey tem quatro dedos em cada mão. (Fonte: Disney / Reprodução)"><figcaption>Sim, o Mickey tem quatro dedos em cada mão. (Fonte: Disney / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Trata-se de uma escolha artística que começou com os estúdios clássicos de animação, incluindo a <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/121045-5-fatos-fascinantes-sobre-a-disney-que-voce-nao-sabia.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Disney</a>, em sua produção de desenhos ainda nos anos 1920. Isso começou a acontecer porque os desenhistas utilizavam círculos para poder esboçar os corpos, as cabeças e as mãos dos personagens – o que incluía também as palmas de suas mãos.</p><p>Só que eles passaram a notar que, quando desenhavam cinco dedos dentro desse círculo, acaba ficando estranho. O próprio Walt Disney teria argumentado que dar a Mickey um conjunto completo de dedos faria com que suas mãos parecessem um cacho de <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/120377-as-bananas-mais-populares-do-mundo-correm-o-risco-de-extincao.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">bananas</a>.</p><p>Mas segundo a Channel Frederator — que é a empresa de entretenimento fundada por Fred Seibert, produtor do desenho <i>A Hora da Aventura&nbsp;</i>— há outra possível explicação. Como os primeiros desenhos animados se centravam em animais (como o rato, com o Mickey, e um cachorro com o Pateta), os ilustradores teriam seguido o padrão das espécies. Cães, gatos e coelhos têm cinco "dedos", mas um deles fica escondido em seu membro superior.</p><h2>A "preguiça" e a economia podem ter levado aos personagens de quatro dedos</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/08/24/24114430228002.jpg" alt="O Bob Esponja também tem quatro dedos nas mãos. (Fonte: X / Reprodução)"><figcaption>O Bob Esponja também tem quatro dedos nas mãos. (Fonte: X / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Por fim, há outra possível justificativa: os animadores passaram a desenhar quatro dedos simplesmente porque isso dava menos trabalho. O desenho de animação, especialmente quando feito à mão, é muito detalhista e envolve muito empenho, e desenhar um quinto dedo em cada quatro faria com que os profissionais usassem tempo e dinheiro a mais que poderiam ser usados para outras coisas.</p><p>Isso então leva a outra dúvida: por que então os animadores não colocaram três dedos ao invés de quatro em seus desenhos? A empresa Channel Frederator tem uma resposta. Geralmente, os personagens desenhados com três dedos nas mãos são decodificados como mutantes ou <a href="https://www.megacurioso.com.br/tags/aliens" rel="noopener noreferrer" target="_blank">alienígenas</a>.&nbsp;</p><p>Dois exemplos disso são as Tartarugas Ninjas e os alienígenas mostrados em<i>&nbsp;Toy Story</i>. Todos eles possuem três dedos em suas mãos, o que ajudaria a enfatizar suas características sobrenaturais. Por isso, desenhar humanos ou animais com a mesma quantidade reduzida de dedos seria simplesmente... estranho.</p>

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Por que personagens de desenhos animados têm quatro dedos nas mãos?

Na Roma Antiga, um grafite encontrado pode ser uma das primeiras representações desrespeitosas de Jesus Cristo.

<p>Ao longo de muitos séculos, <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/122739-as-representacoes-mais-antigas-de-jesus-cristo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Jesus Cristo recebeu inúmeras representações</a>, bastante diferentes entre si. E uma das mais antigas e curiosas o exibe de forma quase profana: com a cabeça de um burro.</p><p>Trata-se de um pedaço de grafite romano, chamado por historiadores de Grafite de Alexamenos, que data de algum momento entre os séculos 1 e 3. O registro foi datado como uma das primeiras representações pictóricas que se tem de Jesus Cristo sendo crucificado.</p><h2>O que se sabe sobre o Grafite de Alexamenos</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/08/16/16112359980088.png" alt="O grafite romano faz uma representação debochada de Jesus Cristo. (Fonte: IFL Science / Reprodução)"><figcaption>O grafite romano faz uma representação debochada de Jesus Cristo. (Fonte: IFLScience / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Por remeter a um período histórico transcorrido antes que o cristianismo se tornasse a religião oficial do <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/119808-imperio-romano-so-1-a-cada-4-imperadores-morreram-de-causas-naturais.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Império Romano</a>, acredita-se que o desenho tenha um teor desrespeitoso. Nessa época, a nova religião era crescente, mas não exatamente popular.</p><p>A imagem mostra uma figura sendo crucificada, com corpo humano e cabeça de burro. No canto superior direito da imagem, há uma imagem que já foi decodificada como uma cruz ou como a <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/120603-qual-a-influencia-do-alfabeto-grego-na-ciencia-e-na-comunicacao.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">letra grega upsilon</a>. No meio, um homem levanta a mão fazendo um gesto (acredita-se que ele possa representar o próprio Alexamenos).</p><p>Abaixo dele, há uma inscrição em grego: “<i>ΑΛΕ ΞΑΜΕΝΟϹ ϹΕΒΕΤΕ ΘΕΟΝ</i>”. Em grego antigo, a palavra <i>ϲεβετε</i> designa o verbo "adorar" na forma imperativa. Isto sugere que a tradução da frase seria algo como "Alexamenos, adore Deus". Entretanto, há pesquisadores que apontam outra leitura, como "Alexamenos adora seu Deus" ou "Alexamenos adorando Deus".</p><h2>As diferentes interpretações</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/08/16/16115350869106.jpg" alt="A versão original do Grafite de Alexamenos encontrado em Roma. (Fonte: X / Reprodução)"><figcaption>A versão original do Grafite de Alexamenos encontrado em Roma. (Fonte: X / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Esse grafite foi encontrado em 1857 no Monte Palatino, que é uma das partes mais antigas de Roma. Ele estava na parede de um edifício anexo ao palácio imperial, onde as pessoas escravizadas eram treinadas para executar tarefas.&nbsp;</p><p>O Grafite de Alexamenos já abriu margens a várias leituras, como uma que diz que ele teria sido feito com a intenção de zombar de um cristão chamado Alexamenos por sua crença em uma religião nova e desconhecida.</p><p>Outra hipótese é que ele seja obra de um escravizado que estaria descontente com o império e resolveu zombar alguém, ou então por um cidadão romano que simplesmente estava entediado. Vale aqui lembrar que os antigos romanos tinham o hábito de fazer grafites.</p><p>A imagem do burro também é significativa. Historiadores dizem que, nessa época do Império Romano, os primeiros cristãos eram frequentemente ridicularizados por "adorar jumentos". Esse preconceito pode ter começado por conta de uma certa confusão entre os fiéis da Bíblia hebraica e a adoração do antigo <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/112324-deus-egipcio-osiris-pode-ter-ganhado-nova-representacao-segundo-arqueologos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">deus egípcio Set</a>, que costuma ser representado como um homem com cabeça de burro.</p>

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Conheça o Grafite de Alexamenos, que mostra Jesus com cabeça de burro

A arte pode ser interpretada de diferentes maneiras, conforme a bagagem de cada indivíduo, o que resulta em algumas leituras realmente interessantes.

<p>O universo da arte é carregado de subjetividade. Uma obra pode significar diferentes coisas, variando conforme a bagagem de vida do indivíduo que a observa, bem como sua origem, seu gênero e sua cor. Nem mesmo as mais <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes/37177-confira-5-quadros-famosos-repletos-de-misterios.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">famosas pinturas</a> da história da humanidade escapam a essa realidade.</p><p>Peças como a <i>Mona Lisa</i>, de <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/128774-leonardo-da-vinci-era-um-procrastinador-nato.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Leonardo Da Vinci</a>, as noites pintadas por Van Gogh, e <i>O Grito</i>, de Edvard Munch, já foram entendidas por ângulos opostos. Não à toa, há quem diga que um projeto artístico, depois de pronto, deixa de ser de seu autor e ganha novos contornos e interpretações, na maioria das vezes distintas do que imaginava quem a criou.</p><h2>1. <i>Mona Lisa</i>, de Leonardo Da Vinci</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/24/24184526304248.jpg" alt="Pesquisadora aventou a possibilidade de que Da Vinci tivesse baseado o rosto da pintura em seu próprio. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Pesquisadora aventou a possibilidade de que Da Vinci tivesse baseado o rosto da pintura em seu próprio. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Difícil imaginar outra obra de arte tão famosa quanto a<i>&nbsp;Mona Lisa</i>, pintura concretizada pelo italiano <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/128774-leonardo-da-vinci-era-um-procrastinador-nato.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Leonardo Da Vinci</a> entre 1503 e 1519. Nos últimos cinco séculos, a pintura foi alvo de inúmeras interpretações e dissertações, que se debruçaram em decifrar a localização onde a mulher estaria quando foi pintada, até descobrir se o pintor havia feito outras versões de seu famoso quadro.</p><p>Uma das mais curiosas interpretações da pintura da florentina <a href="https://www.megacurioso.com.br/arqueologia/75862-misterio-continua-exames-nao-confirmam-ossada-como-sendo-de-mona-lisa.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Lisa del Giocondo</a>, cujo retrato foi um pedido de seu marido, é que ele seria, na realidade, um autorretrato de Da Vinci. E essa hipótese partiu de uma estudiosa, que usou comparações computacionais de Mona Lisa e o famoso autorretrato do pintor para então sugerir que o italiano teria baseado o rosto de Lisa em seu próprio.</p><h2>2.<i>&nbsp;O Grito,</i> de Edvard Munch</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/24/24185224208252.jpg" alt="Há quem interprete o céu de O Grito como resultado de erupção vulcânica. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Há quem interprete o céu de <i>O Grito&nbsp;</i>como resultado de erupção vulcânica. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p><i>O Grito,</i> do norueguês Edvard Munch, também está na categoria de obras de arte muito famosas. Sua representação de um homem gritando enquanto um céu cor de fogo se projeta atrás dele foi tema de acalorados debates. <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/108407-o-que-teria-inspirado-edvard-munch-a-pintar-o-ceu-de-o-grito.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Uma famosa interpretação versa sobre o que teria levado o pintor a fazer o céu vermelho</a>.</p><p>De acordo com ela, Munch se inspirou em sua memória de céus vívidos criados por partículas na atmosfera após uma erupção vulcânica. No entanto, também há quem indique que se trataria apenas da representação do artista de um fenômeno atmosférico chamado nuvens nacaradas, que se forma quando a temperatura fica mais baixa na região estratosférica.</p><h2>3. <i>O Casal Arnolfin,</i> de Jan van Eyck</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/24/24190404459256.jpg" alt="A pintura poderia ter sido um certificado de que o casamento do casal ocorreu. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>A pintura poderia ter sido um certificado de que o casamento do casal ocorreu. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O que poderia haver em um retrato de um casal para suscitar tanto debate? Para essa resposta é necessário, primeiro, encarar<i>&nbsp;O Retrato de Arnolfini,</i> pintura feita pelo belga Jan van Eyck. Nela, um casal está numa sala, tocando as mãos, enquanto um cão está no chão. Poucas obras renderam tantos debates na história da arte como esta.</p><p>Erwin Panofsky é o responsável por <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/127911-5-mensagens-escondidas-em-pinturas-renascentistas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">uma das interpretações mais interessantes dessa obra</a>, em que afirma não se tratar somente de um retrato, mas uma espécie de certidão de casamento, um documento que atestaria que o casamento ocorreu.</p><p>A hipótese levantada por Panofsky gerou intenso debate após a descoberta de uma documentação que mostrou que o casal só consumou o matrimônio anos depois da pintura ter sido feita, o que significaria que, se ela foi um certificado, não o foi para o casal.</p><h2>4. <i>A Noite Estrelada,</i> de Vincent van Gogh</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/24/24191057600260.jpg" alt="Famoso quadro de Van Gogh poderia ser sinal de problemas de ordem mental ou excesso de medicação. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Famoso quadro de Van Gogh poderia ser sinal de problemas de ordem mental ou excesso de medicação. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>As obras do holandês <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125207-5-fatos-pouco-conhecidos-sobre-van-gogh.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Vincent Van Gogh</a> são sempre alvo das mais variadas interpretações.<i>&nbsp;A Noite Estrelada,&nbsp;</i>uma das tantas em que o artista retratou o mundo à noite, não escapa disso. Nela, Van Gogh exagerou em alguns elementos, principalmente no uso de cores e nas formas das estrelas no céu.</p><p>Há quem interprete a pintura de <i>A Noite Estrelada</i> como um sinal de problemas de saúde mental do holandês, que à época residia no asilo de Saint-Paul de Mausole. Outra leitura relaciona os redemoinhos amarelos com o pintor estar sob efeito de drogas digitálicas, já que o efeito da pintura foi relatado em artigos médicos.</p>

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4 interpretações curiosas de pinturas famosas

Durante o final do século XIII e início do XIV, vários livros começaram a mostrar margens com desenhos de caracóis gigantes humilhando cavaleiros armados.

<p>Durante a Idade Média, uma série de ilustrações colocadas nas margens dos livros, que eram verdadeiras obras de artes feitas à mão, permanece até hoje como um mistério. <strong>Produzidas principalmente no final do século XIII, por iluministas que decoravam apenas as margens</strong> (a chamada arte Marginalia), <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128502-por-que-os-caracois-e-as-lesmas-sao-tao-lentos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">as figuras representam caracóis gigantes lutando contra cavaleiros com armaduras</a>.</p><p>Esse tipo de arte, que na maioria das vezes nada tinha a ver com o tema principal do livro, funcionando apenas como um floreio final, era composto por bordas ornamentadas por folhas, seres fantásticos e ilustrações aleatórias. <strong>Esses acréscimos eram colocados depois de o livro ter sido terminado,</strong> muitas vezes com pigmentos caros como o lápis-lazúli, uma pedra preciosa, ou realces de ouro.</p><p>A fixação repentina por moluscos gastrópodes guerreiros levou a historiadora da arte Lilian Randall a produzir um estudo, chamado “O caracol na guerra marginal gótica”. <strong>Na pesquisa, a autora encontrou 70 exemplos em 29 livros diferentes, produzidos entre os anos de 1290 e 1310</strong>.</p><h2>Como eram as cenas de caracóis e guerreiros?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/03/03214312508027.jpg" alt="x"><figcaption>O meme do caracol guerreira se espalhou para fora dos livros. (Fonte: Biblioteca Britânica / Divulgação)</figcaption></figure></figure><p><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/125059-imagens-revelam-como-funcionam-os-dentes-microscopicos-do-caracol.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Embora os caracóis guerreiros aparecessem em diversos cenários de livros variados,</a> havia um mote comum: <strong>uma espécie de caracol agressor oprimindo um cavaleiro de armadura</strong>. Em muitas cenas, os gastrópodes apontam suas antenas, que são, na verdade, tentáculos superiores, na direção dos cavaleiros, como se fossem espadas.</p><p>Segundo os professores entrevistados pela <i>BBC</i>, essa unidade cultural replicante, <strong>que pode ter sido um dos primeiros memes da história</strong>, começou a transcender os livros e se espalhar para outros locais, como construções. Em algumas catedrais, os caracóis lutadores aparecem esculpidas em fachadas.&nbsp;</p><h2>Por que tantos caracóis lutadores surgiram em livros medievais?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/03/03205701825003.jpg" alt="X . Fonte: Biblioteca Britânica/"><figcaption>Cavaleiro aparece subjugado pelo caracol, sugerindo covardia. (Fonte: Biblioteca Britânica/Divulgação)</figcaption></figure></figure><p>Para a professora de arte medieval da Universidade de Chicago, Marian Bleeke, <strong>a ideia básica da luta caracol-cavaleiro "é a derrubada de hierarquias existentes ou esperadas</strong>. Supõe-se que seja surpreendente e até engraçado — acho que hoje entendemos isso implicitamente", diz ela à <i>BBC</i>.</p><p>No entanto, a intenção pode ter sido apenas satírica, aponta Randall em seu estudo, uma vez que grande parte dos cavaleiros retratados aparece ajoelhada em oração, encarando seu oponente viscoso, com sua espada deixada de lado. <strong>O que fica claro na postura dos cavaleiros em relação aos caracóis é sua flagrante covardia</strong>, que, colocada em textos religiosos, pode ser uma espécie de zombaria aos ideias de bravura e piedade.&nbsp;</p><p>Bleeke acrescenta que a submissão dos cavaleiros aos caracóis <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/124047-os-mitos-e-misterios-dos-cavaleiros-e-das-lutas-de-espadas-medievais.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">pode reformular nossa ideia da visão idealizada do cavaleiro no mundo medieval</a>. "Para mim, <strong>essas imagens nos mostram que o gênero nunca foi tão estável ou seguro como algumas pessoas gostariam de pensar</strong>. Sempre foi um campo de disputa", conclui a professora.</p>

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O mistério dos caracóis lutadores da Idade Média

Reconhecido pelo Guinness, Ace-Liam Ankrah usa mãos e corpo para fazer desenhos com tinta acrílica.

<p>Artistas dos mais diferentes campos muitas vezes levam anos para serem reconhecidos, ou conquistam a fama e têm as obras valorizadas <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125207-5-fatos-pouco-conhecidos-sobre-van-gogh.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">apenas após a morte</a>. Mas um prodígio nascido em Gana entrou até para o Livro dos Recordes por ser um artista literalmente desde o berço.</p><p><strong>Ace-Liam Nana Sam Ankrah</strong> nasceu em dezembro de 2022 na região de Accra, capital do país africano. Com <strong>um ano e 152 dias de vida</strong>, ele foi reconhecido oficialmente pelo <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125320-8-recordes-de-celebridades-que-estao-no-guinness-book.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Guinness</a> como <strong>o mais jovem artista do sexo masculino</strong>.</p><ul><li><strong>Saiba mais: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/128651-lucro-e-mentiras-a-verdade-por-tras-do-guinness-world-records.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Lucro e mentiras: a verdade por trás do Guinness World Records</strong></a></li></ul><p>Para além do título de recordista, a família de Ace-Liam agora busca melhores oportunidades para a sua educação desde o nível básico. Ele já está concorrendo a bolsas internacionais para, quem sabe, seguir a carreira na pintura.</p><h2>Por que Ace-Liam é considerado artista?</h2><p>O título veio após uma série de exigências do Guinness para que uma criança tão jovem fosse considerada um artista. O candidato deveria ter <strong>uma série de obras já prontas e fazer ao menos uma exposição oficial</strong> em um local como uma galeria, por exemplo.</p><p>Além disso, Ace-Liam <strong>precisava ter vendido ao menos uma de suas pinturas</strong>, com a nota fiscal encaminhada aos jurados como prova. Todas as etapas foram cumpridas, com a exposição The Soundout Premium Exhibition realizada no Museu de Ciência e Tecnologia de Gana.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11080923990004.jpg" alt="Ace-Liam no processo de criação e diversão. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>Ace-Liam no processo de criação e diversão. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>Ao todo, das dez pinturas exibidas, nove foram compradas por admiradores e colecionadores locais. O recorde foi então confirmado, sendo que o jovem artista já dobrou a quantidade de pinturas produzidas desde então.</p><h2>Como o jovem artista cria as pinturas</h2><p>Segundo a mãe de Ace-Liam, a também artista Chantelle, o menino demonstrou que se sentia confortável e feliz com a pintura <strong>aos seis meses de idade</strong>. Nessa época, ele foi colocado em contato com tintas e telas pela primeira vez.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11081056557007.jpg" alt="Ace-Liam já tem mais de 20 quadros. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>Ace-Liam já tem mais de 20 quadros. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>Enquanto aprendia a engatinhar, o menino passou a espalhar a tinta por um tecido de lona no chão e criar formas abstratas usando diferentes cores. A mãe percebeu que a atividade estimulava a sua criatividade e passou a fornecer mais tinta e dedicar mais tempo a essa brincadeira.</p><p>Agora já começando a falar, Ace-Liam pede com frequência para a mãe para começar a pintar. De acordo com o seu humor do momento, ele até avisa quando terminou uma de suas obras e até já escolhe as cores favoritas.</p><ul><li><strong>Leia também: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/por-que-os-bebes-eram-tao-estranhos-e-assustadores-nas-pinturas-medievais" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que os bebês eram tão estranhos e assustadores nas pinturas medievais?</strong></a></li></ul><p>Todas as pinturas são feitas com tinta acrílica, usando as mãos ou o próprio corpo para espalhar o material. As sessões podem durar até meia hora ou poucos minutos, com ele voltando ou não para o mesmo quadro depois de um tempo. "As pinturas abstratas dele são inspiradas pelo mundo ao seu redor: cores, formas, texturas e o seu humor", diz a mãe.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/11/11081123050008.jpg" alt="No colo da mãe, Ace-Liam vê a própria exibição de estreia como artista. (Fonte da imagem: Guinness World Records)"><figcaption>No colo da mãe, Ace-Liam vê a própria exibição de estreia como artista. (Fonte da imagem: Guinness World Records)</figcaption></figure></figure><p>A carreira e as obras de Ace-Liam estão registradas <a href="https://www.instagram.com/ace_liam_paints/" rel="noopener noreferrer" target="_blank">no perfil do artista mantido pela família no Instagram</a>.</p>

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Artista mais novo do mundo vende primeira pintura com um ano e meio de vida

Primeiro retrato oficial do Rei Charles III desde que assumiu o posto foi apresentado recentemente, gerando memes e causando grande alvoroço.

<p>Pouco mais de um ano após ser coroado <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/122905-o-que-esperar-do-rei-charles-iii-do-reino-unido.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Rei do Reino Unido</a>, <strong>Charles III recebeu seu primeiro retrato oficial no Palácio de Buckingham</strong>. Pintado pelo artista britânico Jonathan Yeo, o monarca viu o quadro gerar enorme agitação, em especial nas redes sociais, que se dividiram entre os que apreciaram o trabalho e os que viram ali motivo para uma enxurrada de memes.</p><p>O uso predominante de tons de vermelho fez o trabalho de dois anos de Yeo, iniciado quando Charles III ainda era apenas o Príncipe de Gales, ser chamado de misterioso e poderoso. Ao mesmo tempo, <strong>foi apontado como uma crítica sutil ao terror</strong> levado pelos <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/tarenorerer-a-feroz-rebelde-que-lutou-contra-colonizadores-na-tasmania" rel="noopener noreferrer" target="_blank">colonizadores</a> a mando da coroa britânica.</p><h2>1. Vermelho tem origem na Guarda Galesa</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02194706587002.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Charles III também era Coronel do Regimento da Guarda Galesa. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Apesar das piadas com a cor vermelha do retrato do Rei Charles III representar a morte causada pela colonização britânica, a escolha é representativa do uniforme da Guarda Galesa. No início do projeto de pintura, Charles era não apenas o Príncipe de Gales, mas Coronel do Regimento da Guarda Galesa.</p><p>Seguindo a tradição de retratos reais de monarcas do sexo masculino estarem uniformizados, Jonathan Yeo pintou o rei com o casado da Guarda, apoiado em uma espada cerimonial à sua frente. Segundo o artista, ele quis proporcionar um "choque contemporâneo", fazendo referências às tradições de retratos reais de maneira que refletisse a monarquia do século XXI.</p><h2>2. Não é o primeiro trabalho de Jonathan Yeo para a família real</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195130945004.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>Antes do rei, Yeo pintou a rainha Camila e o Príncipe Philip. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Jonathan Yeo é um dos mais conceituados artistas britânicos da contemporaneidade. No seu leque de personalidades, estão pinturas para estrelas de Hollywood como Nicole Kidman e Idris Elba, a socialite <a href="https://www.megacurioso.com.br/personalidades/99479-criaram-um-lenco-antipaparazzi-que-arruina-as-fotos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Paris Hilton</a> e a modelo Cara Delevigne. Todavia, engana-se quem acredita que a pintura do Rei Charles III é sua primeira incursão na família real.</p><p>Apesar do retrato do atual rei do Reino Unido ser seu trabalho de maior prestígio com a realeza até o momento, Yeo já teve a oportunidade de retratar com suas pinceladas a rainha Camilla e o falecido Príncipe Philip.</p><h2>3. A pintura mostra uma borboleta pousando no ombro de Charles III</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195257090005.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>No ombro direito do monarca, uma pequena borboleta representa a metamorfose. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Na enxurrada de críticas, memes e discussões, talvez poucos tenham se dado conta que o retrato do Rei Charles III pintado por Jonathan Yeo carrega um detalhe singelo: no lado esquerdo da pintura, sobre o ombro direito do monarca, uma <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/124009-6-borboletas-nativas-do-brasil-que-sao-incrivelmente-belas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">borboleta</a> bate suas asas ensaiando um pouso.</p><p>Segundo o artista, a ideia surgiu a partir de conversas com o próprio monarca. Inicialmente, seria um aceno ao interesse de Charles pelas questões ambientais, com as quais se envolveu em parte considerável da vida. No fim, porém, acabou sinalizando uma lembrança da Rainha Elizabeth, já que, na história da arte, borboletas são associadas à metamorfose.</p><h2>4. Charles foi coroado entre uma sessão e outra</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02200139793007.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Foram mais de dois anos de sessões para a pintura, finalizada após a coroação. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>A pintura do Rei Charles III, a primeira desde que assumiu o trono do Reino Unido, é um projeto concebido ao longo de mais de dois anos. Jonathan Yeo e o monarca começaram o processo em junho de 2021, quando ainda era Príncipe de Gales. A finalização ocorreu em novembro de 2023, com o rei já coroado.</p><p>As sessões ocorriam no estúdio de Yeo na cidade de Londres, momentos em que Charles permanecia por 40 minutos apoiado na espada que o acompanha no quadro. Além da presença real, o artista também utilizou fotografias para compor o retrato real.</p><h2>5. O quadro será exibido em Drapers' Hall</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/06/02/02195434256006.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>Drapers' Hall pode ser visitado caso esteja com agenda livre. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Logo após ser apresentado oficialmente, o retrato do Rei Charles III ficou em exibição na Philip Mold Gallery, em Londres. Entretanto, a pintura ficará em um local de arte privado, devendo ser transferida para o Drapers' Hall, no sul da capital inglesa, no fim de agosto.</p><p>O retrato do rei dividirá espaço com outras obras reais, como esculturas, bustos da falecida <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/127235-6-coisas-que-mudaram-desde-a-morte-da-rainha-elizabeth.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Rainha Elizabeth</a> e do próprio Charles, além de um retrato do Duque de Wellington.</p><p>O Drapers' Hall não costuma ficar aberto ao público, já que é um local utilizado para casamentos e eventos sociais da elite londrina. Porém, caso não haja nada na agenda da galeria, é possível agendar um passeio pago para visitação.</p>

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5 fatos sobre o retrato oficial do Rei Charles III que você não sabia

Marcado pela qualidade de seu trabalho, Salvador Dalí também deixou uma coleção de frases impactantes, símbolos de seu perfil único como artista.

<p>Líder do <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/o-que-foi-a-exposicao-internacional-do-surrealismo-de-1938" rel="noopener noreferrer" target="_blank">movimento surrealista</a>, <strong>o espanhol Salvador Dalí é um dos maiores artistas da história contemporânea</strong>. Conhecido por suas habilidades técnicas, pela precisão de seus desenhos e por imagens impressionantes, ele influenciou diferentes aspectos da vida, impactando campos como a arte, a cultura popular, a moda, o cinema, a fotografia e até mesmo a publicidade.</p><p>Seu talento transpôs o campo da arte, fazendo-o querer ser ouvido por todos, ávidos para que o artista <strong>compartilhasse suas visões de mundo</strong>. Foi assim que Dalí legou à humanidade frases célebres, que colaram em sua persona um caráter semelhante ao de um <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125513-4-filosofos-que-morreram-de-formas-bizarras.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">filósofo</a>. Comentários sobre o exercício artístico, sobre a ambição, a busca pela perfeição e uso de drogas denotam o seu perfil ímpar entre colegas do movimento e artistas do século XX.</p><h2>1. "Inteligência sem ambição é um pássaro sem asas"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125347913000.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)"><figcaption>A mãe de Dalí foi preponderante no impulsionamento de sua carreira. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Salvador Dalí nasceu em uma família catalã no ano de 1904. Filho de pai advogado de classe média com uma dona de casa, teve seu lado artístico incentivado desde cedo. Sua mãe, Felipa Domènech Ferrés, sabia que os talentos do filho o levariam ao auge, mas para tal era fundamental ser ambicioso.</p><p>Sua mudança para a capital espanhola, <a href="https://www.megacurioso.com.br/roteiros/76320-madri-inaugura-parque-com-passarela-de-mais-de-250-metros.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Madri</a>, aos 18 anos, para estudar na Real Academia de Belas Artes de San Fernando, foi preponderante para construir o fantástico artista que assombrou o mundo.</p><h2>2. "Nunca usei drogas porque eu sou a droga"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125448016001.png" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/72/Salvador_dali_3_-_6667730623.jpg"> Wikimedia Commons </a>Uma de suas emblemáticas frases foi dita a um jornalista brasileiro. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Em 1973, Salvador Dalí concedeu uma entrevista exclusiva ao jornalista brasileiro Alberto Oliva, do jornal O Globo, no Hotel St. Regis, em Nova York. No meio de toda a excentricidade do artista plástico, uma de suas fases mais emblemáticas foi pronunciada.</p><p>Dalí respondia sobre ser uma pessoa que não fumava e nem bebia, ampliando para dizer que não precisava de drogas, pois sua mente era suficientemente <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/128635-4-plantas-psicodelicas-e-seus-efeitos-alucinogenos-no-cerebro.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">alucinógena</a>. Dizia o espanhol: "Por que teria que usar drogas num mundo de gente com alucinações?".</p><h2>3. "A diferença entre as falsas memórias e as verdadeiras é a mesma entre as joias: são sempre as falsas que parecem mais reais, mais brilhantes"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125540931002.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1f/Salvador_Dali_seated_in_a_bathtub.jpg/624px-Salvador_Dali_seated_in_a_bathtub.jpg"> Wikimedia Commons </a>Dalí incorporou elementos do trabalho de Einstein. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Se a memória humana pode não ser um instrumento perfeito, talvez tenha sido Salvador Dalí o melhor a conceituar a questão. Dizia o artista plástico espanhol que as memórias criadas parecem mais reais e brilhantes. Curiosamente, o título de uma de suas peças mais famosas é, justamente, <i>A persistência da memória</i>, concluída em agosto de 1931.</p><p>Há críticos especializados que sugerem que o artista estava incorporando uma compreensão do mundo a partir da teoria da relatividade espacial criada por <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/124270-o-dia-que-albert-einstein-foi-questionado-sobre-ovnis.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Albert Einstein</a>.</p><h2>4. "O termômetro do sucesso é apenas o ciúme dos descontentes"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125627659003.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Salvador_Dal%C3%AD_%281972%29_%285811723274%29.jpg/592px-Salvador_Dal%C3%AD_%281972%29_%285811723274%29.jpg"> Wikimedia Commons </a>Apoiador do regime franquista, Dalí esnobava os críticos. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>A vida do surrealista mudaria substancialmente com sua chegada aos Estados Unidos, em 1940. Lá, Salvador Dalí alcançaria não apenas reconhecimento artístico, mas sucesso comercial. Sua primeira exposição no país aconteceu em Nova York, na galeria de Julien Levy, em 1933, o que lhe rendeu o convite para uma mudança definitiva.</p><p>No entanto, seu comportamento público excêntrico e ostentoso (e o apoio ao <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/118753-mais-de-300-mil-bebes-foram-roubados-durante-o-fascismo-na-espanha.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">regime do General Franco</a>) constantemente chamava mais a atenção do que suas obras – de modo particular de seus críticos. Para Dalí, as críticas ditavam o tamanho de seu sucesso.</p><h2>5. "Desenhar é a honestidade da arte. Não há possibilidade de enganar. Ou é bom, ou é ruim"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26125928685005.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Dali_headshot.jpg/578px-Dali_headshot.jpg"> Wikimedia Commons </a>Salvador Dalí tinha no desenho uma de suas maiores virtudes. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Foi a partir da segunda metade da década de 1920 que o trabalho de Dalí se tornou cada vez mais influenciado pelo surrealismo. Seus desenhos se tornaram cada vez mais precisos, provocando perplexidade entre o público e debates acalorados entre os críticos. Para o espanhol, o desenho era uma das artes em que possuía mais virtude, pois se tratava de um gênero artístico avesso à trapaça: ou se é bom, ou se é ruim.</p><h2>6. "Existe apenas uma diferença entre um louco e eu. O louco pensa que é são. Eu sei que estou louco"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><p><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/26/26130055282006.jpeg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)">&nbsp;<a class="fonte_imagem" href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/47/Salvador_Dal%C3%AD_Paris_1934_restored.jpg/621px-Salvador_Dal%C3%AD_Paris_1934_restored.jpg"> Wikimedia Commons </a>Entre o jovem e o maduro Dalí, a aceitação da loucura como inerente a seu processo criativo. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</p></figure><p>Durante uma de suas primeiras visitas aos Estados Unidos, Salvador Dalí foi convidado para conduzir três palestras sobre surrealismo no Museu de Arte Moderna (MoMA). Foi ali, durante um público ávido por ouvir mais de uma dos mais proeminentes artistas da época, que afirmou não ser louco. Anos depois, mudou de ideia, porque passou a enxergar a maneira como conduzia seu processo criativo como algo próximo à loucura.</p>

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6 frases marcantes ditas por Salvador Dalí

Descubra os motivos por trás das representações bizarras de bebês na arte medieval e como essa tendência mudou durante o Renascimento.

<p>Ao visitar museus de arte medieval, muitos se surpreendem ao ver retratos de bebês com feições adultas e expressões severas. Essa característica peculiar intriga tanto curiosos quanto estudiosos de arte. Mas por que os artistas medievais pintavam bebês de maneira tão estranha?</p><h2>Jesus como o "homenzinho"</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/19/19204141137002.jpg" alt=""><figcaption><i>Madona com menino</i>, de Paolo Veneziano, pintada em 1333. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Durante a <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/125423-como-era-a-vida-de-uma-pessoa-comum-na-europa-da-era-medieval.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Idade Média</a>, a Igreja Católica desempenhava um papel central na promoção das artes, com muitas pinturas focadas em temas religiosos. Um conceito-chave dessa época era o "homúnculo", que postulava que Jesus nasceu com feições adultas, simbolizando sua divindade desde o nascimento.</p><p>Por isso, os artistas medievais retratavam o menino <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/7-fatos-importantes-sobre-jesus-que-pouca-gente-se-lembra" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Jesus</a> com características adultas, estabelecendo esse padrão para todas as representações de crianças. Além da influência religiosa, a arte medieval era mais simbólica, buscando transmitir mensagens espirituais e morais. Portanto, os bebês eram representados sem suas características infantis reais.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver essa foto no Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/tv/C2dTnVPP0tB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Uma publicação compartilhada por Mega Curioso (@megacurioso)</a></p></div></blockquote> <script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p>Outro ponto é que a instabilidade do período resultou na perda de conhecimentos técnicos, incluindo estudos detalhados de anatomia humana. Os artistas da época enfrentavam desafios significativos para entender a estrutura do corpo humano, já que o estudo da anatomia era associado à bruxaria e perseguido pela Igreja. Com acesso limitado a esse conhecimento e prática restrita, os artistas medievais retratavam bebês de maneira estilizada e pouco realista, contribuindo para representações menos precisas dos corpos humanos nesse período.</p><h2>A transição para o Renascimento</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/19/19205705282003.jpg" alt=""><figcaption><i>A Virgem com São José imberbe</i>, pintada por Raphael em 1506. (Fonte: Hermitage Museum / Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>No início do <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/119307-as-7-imagens-mais-estranhas-em-pinturas-renascentistas.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Renascimento</a>, a arte ainda refletia fortes influências medievais. No entanto, à medida que o movimento avançava, os artistas passaram a adotar uma abordagem mais realista e detalhada, utilizando modelos vivos e observando o corpo humano com maior precisão. Inspirados pelo interesse crescente no naturalismo e pela observação direta da natureza, as representações de bebês e crianças tornaram-se mais fidedignas, afastando-se do simbolismo exagerado da Idade Média.</p><p>Além disso, durante a Renascença, os artistas ganharam mais liberdade criativa, permitindo uma diversificação dos temas além de figuras religiosas. Essa mudança de perspectiva também levou a uma nova visão da infância, onde as crianças passaram a ser retratadas como seres inocentes e angelicais, marcando uma clara ruptura com as representações da Idade Média.</p><p>As representações peculiares de bebês na arte medieval são um testemunho vívido da complexidade cultural e técnica da época, onde conceitos religiosos e limitações técnicas se entrelaçavam. No entanto, o Renascimento trouxe consigo uma revolução na forma como bebês eram retratados, abandonando as convenções estilísticas em favor de uma abordagem mais realista e encantadora. Essa mudança não apenas marcou uma evolução na arte, mas também refletiu uma nova compreensão da infância e da humanidade em sua totalidade.</p>

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Por que os bebês eram tão estranhos e assustadores nas pinturas medievais?

Descubra como Yves Klein revolucionou a arte com sua criação e deixou um legado no mundo da expressão artística.

<p>Quando se pensa em Yves Klein, imediatamente se pensa no <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/122211-o-azul-e-a-cor-favorita-da-maioria-das-pessoas-e-a-ciencia-explica.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">azul</a> — não apenas em qualquer azul, mas em um tom intenso que ele próprio criou e patenteou. Esse artista francês, que floresceu na cena artística do pós-guerra, foi um dos pioneiros na exploração da cor como uma linguagem.</p><h2>O período azul</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/02/02201051330396.jpg" alt="International Klein Blue. (Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)"><figcaption>International Klein Blue. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Yves Klein nasceu em Nice, França, em 28 de abril de 1928, em uma família de artistas. Desde cedo, mostrou interesse pela arte e pela expressão criativa. Estudou na Escola Nacional da Marinha Mercante e na Escola Nacional de Línguas Orientais antes de se estabelecer em Paris, em 1955. Foi nessa época que Klein começou a ganhar reconhecimento por suas pinturas monocromáticas.</p><p>Seu fascínio pela cor azul e sua busca por uma tonalidade que transmitisse sua visão artística única foram essenciais para o desenvolvimento do tom único. No início de sua carreira, Klein experimentou com diferentes pigmentos azuis, mas ficou frustrado com o desbotamento e a falta de intensidade que eles exibiam ao longo do tempo.</p><p>Sua busca por uma <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/121263-5-cores-comuns-que-nao-existem-de-verdade.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">cor</a> mais duradoura e expressiva o levou a explorar técnicas inovadoras. Em 1956, Klein teve um avanço decisivo ao adicionar um aglutinante de polímero ao pigmento ultramarino. Essa combinação resultou no International Klein Blue (IKB), também conhecido como azul Klein, uma cor que parecia vibrar com uma energia e profundidade únicas.</p><h2>A essência do azul na arte de Klein</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/05/02/02201257417397.jpg" alt="Exposição de obras com a cor criada por Klein. (Fonte: Getty Images/Reprodução)"><figcaption>Obras de Klein com seu tom único de azul. (Fonte: Getty Images / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O IKB não era apenas uma cor para Klein; era uma metáfora para o infinito e o desconhecido. Ele associava o tom ao espaço puro e ao intangível, usando suas pinturas monocromáticas como uma plataforma para explorar conceitos metafísicos e a natureza da arte.</p><p>Klein até mesmo conduziu experimentos, em que pintou múltiplas telas azuis idênticas e vendeu-as com preços variados, refletindo o espírito único que ele acreditava estar presente em cada obra. Além disso, ele não se limitou à tela e usou o azul Klein em performances de arte ao vivo, com modelos nuas cobertas de tinta azul em telas como "pincéis vivos", em novas dimensões da expressão artística.</p><p>Em 1960, fundou o movimento <i>Nouveau réalisme,</i> com Pierre Restany, marcando sua influência duradoura na arte contemporânea. Infelizmente, Klein faleceu prematuramente aos 34 anos, em 1962, deixando para trás um legado artístico ousado e inovador que desafiou as convenções da época.</p><p>A história de Yves Klein vai além das <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/120051-galeria-mostra-incriveis-fotos-de-animais-capturadas-no-momento-certo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">galerias de arte</a>. Sua inovação com o International Klein Blue influenciou não apenas artistas contemporâneos, mas também se infiltrou na cultura popular. Klein continua a ser um símbolo de criatividade audaciosa e visão artística singular, provando que o verdadeiro impacto da arte vai muito além das fronteiras tradicionais.</p>

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Yves Klein mudou a arte ao inventar uma cor única

A Exposição Internacional do Surrealismo, ocorrida em 1938, foi um grande marco para o movimento artístico.

<p>A depender da lente adotada, o surrealismo é tido como uma mera valorização do bizarro, ou mesmo uma ruptura estética. Mas encará-lo dessa forma isolada é justamente o que impede que o movimento mostre aquilo que ele tem de mais autêntico.</p><p>A Exposição Internacional do Surrealismo de 1938, iniciada em 17 de janeiro, buscava justamente deixar o surrealismo em evidência, chamando a atenção para suas características mais marcantes.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/04/29/29110506717053.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia/Reprodução)"><figcaption>Mais de 200 obras, pertencentes a 60 artistas, foram exibidas. Exposição ocorreu na Galerie de Beaux-Arts, entre os dias 17 de janeiro e 24 de fevereiro de 1938. (Fonte: Wikimedia / Reprodução)</figcaption></figure></figure><h2>Propostas da exposição</h2><p>Essa exposição foi a grande oportunidade que muitos artistas tiveram de se revelar e apresentar sua proposta. E nesta ocasião específica, todos os visitantes seriam convidados não apenas a mergulhar nas obras, mas também na própria mente.</p><p>Logo na entrada, a visão de 16 manequins decorados instigava o público a refletir sobre o feminino e o desejo. Placas com indicações de ruas reais e imaginárias também ganharam forma, indo além das pinturas presentes na exposição.</p><p>Depois de serem recepcionados, os visitantes ainda eram conduzidos ao interior de uma gruta, que tinha um pequeno lago artificial, onde mais uma história era contada. Ali, o confinamento em um espaço com um teto aparentemente frágil parecia irradiar claustrofobia. Trava-se, portanto, de uma experiência sensorial.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/04/29/29111012113055.jpg" alt="(Fonte: The Art Institute of Chicago/Reprodução)"><figcaption>Salvador Dali com seu manequim. (Fonte: The Art Institute of Chicago / Reprodução)</figcaption></figure></figure><h2>Surrealismo e seus muitos significados</h2><p>O surrealismo valorizava o inconsciente e a espontaneidade por excelência. Mas mesmo tendo se manifestado desde a década de 1920, levou certo tempo para ganhar forma e se tornar mais conhecido.</p><p>Klee, <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/118069-pablo-picasso-a-vida-e-a-morte-de-um-dos-fundadores-do-cubismo.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Picasso</a>, Duchamp e <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/117643-necrofilia-estupro-e-violencia-o-lado-sombrio-de-salvador-dali.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Salvador Dali</a> são alguns dos grandes nomes que evidenciaram, cada um da própria forma, a expressividade e a provocação do movimento. Muitas obras ainda mostram como o surrealismo se associava ao mundo onírico, a exemplo das pinturas de <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/108093-mais-9-cenas-de-filmes-inspiradas-em-quadros-famosos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">René Magritte</a>.</p><p>De certa forma, a Exposição Internacional do Surrealismo de 1938 permitiu que a arte se mostrasse livre e imersiva da maneira como se apresenta hoje, diante dos nossos olhos. Presente em pinturas, esculturas, na música, no cinema e na literatura, o surrealismo também se relacionou de forma íntima com a filosofia e a <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/126946-psicanalise-e-pseudociencia-livro-reacende-a-polemica-sobre-a-teoria.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">psicanálise</a>.</p><p>E se na exposição ficava visível como a histeria fazia parte desse movimento artístico, dotado de tantas nuances, definitivamente não era por acaso. Afinal, o mundo parecia estar impregnado dela naquele momento.</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/04/29/29112746283068.jpg" alt="(Fonte: The Art Institute of Chicago/Reprodução)"><figcaption>Vista do hall principal da Exposição Internacional Surrealista. (Fonte: The Art Institute of Chicago / Reprodução)</figcaption></figure></figure><h2>Uma relação entre a arte e a vida</h2><p>Apesar de inusitada, caótica e provocativa, a Exposição Internacional do Surrealismo foi considerada um marco. Em seu primeiro dia, três mil pessoas compareceram. O evento, visto como exagerado pela crítica, moldou o rumo da história da arte. E mesmo não tendo sido a primeira exposição surrealista, foi a mais expressiva de todas.</p><p>Talvez parte do que ela tinha a oferecer acabou passando despercebido naquele período. Um olhar mais atento, inclusive, seria capaz de notar como algumas obras também apresentavam um forte viés político. O próprio espetáculo estava dominado por uma atmosfera sombria.</p><p>E como pouco tempo depois, a <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/122424-7-principais-e-datas-acontecimentos-da-segunda-guerra-mundial.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Segunda Guerra Mundial</a> eclodiu, pode-se dizer que a exposição foi a última grande pulsação do movimento, ameaçado pelo avanço dos regimes totalitários e pelo próprio andar do conflito.</p>

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